Entrevista com Enrico Rosa do Campo di Marte

No início eu gostaria de agradecer a você ter pelo tempo de responder a esta entrevista. Bem eu gostaria de saber o que no passado foi o “Campo Di Marte” e o que é hoje? Há alguma história interessante sobre a banda e houve algo de especial na escolha do nome “Campo di Marte”?

Enrico Rosa: O antigo “Campo di Marte” como o novo foi feito por Mauro Sarti e eu  Enrico Rosa.
Mauro encontrou os músicos em Florença (Itália), e eu tive que escrever a música assim começou, eu não era de Florença e não conhecia ninguém na cidade além de Mauro. Tivemos Mauro na bateria e em algumas partes da flauta e outro baterista Marcovecchio Califfi, no baixo o americano Richard Ursillo (Paul Richard na capa), Alfredo Barducci que tocou órgão / piano e flauta e eu nas guitarras acústica e elétrica, piano e mellotron por isso usamos dois tambores, enquanto Mauro tinha que tocar flauta tinhamos outro baterista em trabalho.
Eu escrevi e era uma tarefa interessante porque naquela época eu estava na maior onda ouvindo Jazz e Musica Clássica, conhecia Miles Davis, John Coltraine, Herbie Hancock e assim por diante mas eu não sabia nada sobre Rock Progressivo e rock em geral apenas absorvia o que eu podia ouvir passando por algum lugar, de qualquer  forma foi bom porque sem modelos a seguir eu escrevi a música para os instrumentos ao meu modo, tudo feito de uma forma a ser executada ao vivo combinando a acústica e os sons elétricos em uma espécie de forma Sinfonica.
O nome “Campo di Marte” é um link para o campo de batalha e o absurdo da guerra, a capa do disco mostra soldados mercenários que pedem dinheiro por seus serviços e ostentam a sua força em esfaquear-se com qualquer tipo de arma.
O novo “Campo di Marte” é: Mauro Sarti na bateria, Maurilio Rossi no Baixo, um músico muito criativo da cena prog desde os anos 70 de grande coração, Alexandr Matin Sass no piano / teclados, um grande pianista da Estónia que trabalhou junto comigo em outros projetos, Eva Rosa minha esposa que é  treinada em clássico  ela adora rock e jazz, com o “Campo di Marte” ela brinca com gravadores diferentes e um controlador de vento digital ( flauta / instrumentos de sopro sax digital com as mesmas possibilidades e um sintetizador), eu toco  guitarra acústica, elétrica e escrevo a música da mesma maneira como nos velhos tempos, escrevendo para a história e pela música  usando todas as cores do elétrico e acústico em um coração de baixo e bateria.

Muitos ouvintes do Rock Progressivo do Japão e da América do Sul, tornaram-se amantes da música do Campo di Marte. E na Itália? Vocá tem alguma idéia a respeito? Quantas cópias do primeiro trabalho foram vendidas na Itália e também ao redor do mundo?

Enrico Rosa: Eu realmente não sei o numero de copias vendidas da antiga gravação na Itália eu não tive a oportunidade de acompanhar a cena prog na Itália porque eu me mudei para a Dinamarca em 1974 e eu ainda estou aqui, eu tenho vivido mais aqui desde então.
O mesmo sobre o resto do mundo, mas parece que tanto ao registro e a reedição do CD venderam muito mas infelizmente não fui capaz de ver o quanto ainda.

Quem teve a idéia inicial de reunir novamente os músicos do “Campo Di Marte” e qual foi o principal motivo do retorno da banda?

Enrico Rosa: Eu percebi que o meu antigo trabalho foi derrubado por um monte de juros e graças a Augusto Croce do site prog italiano eu comecei a pensar  quão bom é o que eu senti quando eu toquei prog e como incompleta tem sido minha vida desde então, porque rock progressivo é a arte, a música que me dá a possibilidade de tocar sem qualquer restrição de ser o músico que eu sou, em um pesado rock eletrico bem como em um clima acústico mais clássico ou um rock mais jazz sentindo colorir esta grande música que o rock progressivo é.
Então eu encontrei o meu velho amigo Mauro que também se perdeu de mim e da música e agora podemos tocar juntos e foi isso, tivemos que nascer de novo.

Podemos ouvir lotes de diferentes estilos musicais em músicas da banda, de rock progressivo,ao jazz, e até mesmo música clássica. Qual é a sua opinião sobre o estilo musical da banda e podemos considerar “Campo di Marte”, uma banda de rock progressivo ainda hoje?

Enrico Rosa: “Campo di Marte” é Rock Progressivo, arte é para saltar do coração da música e do músico que está sempre em busca de si mesmo e da linguagem universal.
A música não tem limites, eu costumo dizer aos meus alunos: a música não tem limites, mas os músicos tem.

Lendo alguns comentários em torno da internet encontrei alguém que escreveu: “Campo di Marte foi um dos mais obscuros entre as bandas italianas, mesmo outras bandas como PFM, Le Orme, Banco del Mutuo Soccorso e etc. Vocá acredita em “sorte”? Por que o”Campo di Marte” não teve a mesma “sorte” que outras bandas?

Enrico Rosa: A banda não teve a chance de estar na estrada após o registro ser liberado, como alguém poderia conhecer a nossa música, a banda desapareceu após a gravação.
Por falar nisso antes de sair de Itália fui convidado por Francesco do Banco para se juntar a sua banda mas fiquei decepcionado com minha terra natal  eu queria o expatriado é por isso que eu virei a oferta para baixo.

Tenho certeza de que há músicas novas já  esperando para ser gravadas. Se assim for o que podemos esperar do “Campo di Marte” nos dias de hoje e também para o futuro próximo?

Enrico Rosa: No novo CD haverá músicas novas  eu tenho muito material pronto para um álbum completamente novo com o espírito do “Campo di Marte”.
A banda está de volta e vamos estar em qualquer concerto onde as pessoas gostariam de experimentar o “Campo di Marte”, daremos o nosso melhor e com todo nosso coração estaremos no espírito da música.

Conte-nos alguma coisa sobre os músicos da banda nova, com uma atenção especial para Eva Rosa. Vocá poderia introduzir Eva aos nossos leitores?

Enrico Rosa: ela é uma grande músicista sem limites que estudou entre os maiores do mundo e ela é a razão pela qual eu poderia encontrar a força para iniciar a banda de novo e com ela durante os últimos trás anos em que fomos viver juntos explorei o crossover de rock e do clássico e do jazz com o nosso projeto  onde tocamos em um concerto a viajar no tempo através da música do século 12 até hoje alcançando grande contraste de músicas totalmente acústicos até melodias progressivas com um gravador de baixo e uma guitarra de rock pesado.
Então ela é perfeita para o espírito do “Campo di Marte”.

Um novo CD duplo incluindo uma performance ao vivo de 1972 no Espaço Eletronico (Firenze-Itália) e da performance ao vivo de 2003 será lançado em outubro de 2003.
Gostaria de comentar algo interessante sobre esse trabalho e o que podem os fãs de rock progressivo esperar sobre isso?

Enrico Rosa: A gravação ao vivo no Espaço Eletronico foi em 72 como uma demonstração de que a UA tinha mostrado interesse em liberar o meu trabalho a gravação foi feita no Espaço Electrónico em Florença onde estivemos para realizar nosso concerto e tocamos as músicas que mais tarde gravamos, algumas delas de uma maneira diferente e com letras em ingles, alguns temas se tornonaram instrumentais mais tarde.
A gravação foi copiada em um registro de teste (em italiano chamado “Lacca”) que eu tenho nesse momento e que eu havia deixado com meu bom e velho amigo Nello na Itália há 30 anos, ele manteve-o bem e quando eu perguntei se ele ainda o tinha ele disse: “claro e está aqui esperando por voce”! A gravação foi chamada de Concerto Zero e por isso vai levar esse nome.
A nova gravação é uma sessão de estúdio ao vivo feita um dia depois do Festival On the Road de Pelago (12 de julho de 2003) onde infelizmente foi impossível fazer uma gravação com um estúdio móvel.
Então, nós gravamos tudo em um exame como um concerto ao vivo no La Terrazza (Ronta-Firenze) onde o estúdio móvel de “Larione 10” com Sergio Salaorni mudou-se para fazer a gravação.
Fizemos uma sessão de estúdio ao vivo para manter a autenticidade da música para a música que voce vai ouvir, vai ser real e irá incluir algumas músicas antigas reorganizadas para uma performance ao vivo e mais, tráz novos títulos.

Recentemente o PFM, Le Orme, e outras bandas famosas italianas voltaram aos palcos com fantásticas performances. Qual é a sua principal expectativa em estar  de volta aos palcos após 30 anos?

Enrico Rosa: Eu gostaria de dar ao público o melhor desempenho a cada momento.

O Campo di Marte pela primeira vez juntos após 30 anos realizou um concerto em 12 de Julho de 2003 “. Existem diferenças entre tocar ao vivo nos anos 70 e tocar ao vivo para uma nova geração de ouvintes de rock progressivo nos dias atuais? Para voce e para todos os membros da banda, há um mesmo sentimento do passado?

Enrico Rosa:  é uma sensação ótima me sinto ainda melhor do que em 72-73. O público é fantástico e de 18 anos para 60. Eu não acredito que algo como isso poderia ser feito antes. Os jovens me escrevem perguntando sobre o som da guitarra e dando graças  por lhes ter dado uma grande experiáncia musical, uma nova estação de rádio quer tocar o antigo e os futuros trabalhos do “Campo di Marte” isso é fantástico.

Eu gostaria de ouvir a sua opinião sobre a cena atual do progressivo de todo o mundo onde muitas bandas novas estão aparecendo. Como voce ve a cena do Rock progressivo hoje em relação ao mesmo movimento 30 anos mais tarde?

Enrico Rosa: Eu tenho medo que eu não possa dar uma resposta, como um músico eu trabalho muito com música todos os dias e não consigo ter tempo para ouvir tanto como voce ou o público, assim não seria correto ser  dado em geral.
Eu poderia dizer algo sobre uma paz de música apresentada a mim e que irei ouvir com atenção e depois dizer o que sinto, mas não dizer algo sobre uma quantidade muito grande de gravaçoes que eu não ouvi ou ouvi,  assim eu estaria sendo superficial.

Gostaria de dizer alguma coisa especial para os fãs de rock progressivo da América do Sul e também a todos os amigos Prog ao redor do mundo?

Enrico Rosa: Muito obrigado por manter a música viva o “Campo di Marte” nunca voltaria a existir se voces não o descobrissem.
Um grande obrigado a todos da América Latina que com seu grande coração podem sentir o significado mais profundo do rock progressivo do “Campo di Marte”.

Eduardo Piloto

Robert Fripp

Robert Fripp nasceu em 16 de maio de 1946 em Wimborne Minster Dorset Inglaterra é produtor, compositor e guitarrista mais conhecido como guitarrista e lider permanente do King Crimson seu trabalho se estende por cinco décadas cobrindo uma variedade de estilos musicais.

Fripp começou a tocar guitarra com 11 anos de idade ele diz que era surdo mas  com senso de ritmo, ele comentou sobre como lidar com tal obstáculo dizendo: ” a música para ser ouvida deseja que às vezes seja necessario personagens improváveis para dar voz a ela”

As noções básicas de guitarra foram ensinadas pelo professor Don, foi quando ele desenvolveu a técnica “cross-collection” que mais tarde iria se tornar uma tecnologia chave que é ensinada em “Guitar Craft”.

Em 1984 Fripp começou a usar um novo padrão de afinação que também seria oficial em sua Guitar Craft.

Fripp é canhoto mas toca guitarra com a mão direita.

Giles Giles and FrippSeu primeiro trabalho profissional começou em 1967 quando ele respondeu ao anúncio de um organista para cantar em uma banda formada pelo baixista Peter Giles e o baterista Michael Giles, embora sendo o cantor e organista Fripp conseguiu liderar dois singles e um álbum o joyful madness Giles Giles e Fripp.

Fripp juntamente com o baterista Michael Giles fizeram planos para a formação do King Crimson em 1968 com Greg Lake, Peter Sinfield e Ian McDonald seu primeiro álbum in the court of Crimson king foi lançado no final de 1969 para mistas revisões críticas por causa de diferenças musicais entre Giles e McDonald e o King Crimson se separou logo após o lançamento do primeiro álbum, Giles e McDonald naquele momento acreditavam que o King Crimson era seu até então porém Robert Fripp foi o único membro da banda que passou por vários line-ups antes de Fripp dissolver o grupo pela primeira vez em 1974.

Em uma fase menos ativa para o King Crimson Fripp trabalhou em uma série de projetos paralelos vindo a trabalhar com Keith Tippett (e outros que apareceram em registros do King Crimson) durante esse tempo ele também trabalhou com Van der Graaf Generator em seu álbum de1970, em to the ende he Aar and 1971, he got legless and 1972, evening star and evening star 1974 de Brian Eno, esses dois ultimos álbuns caracterizando experimentos com novas tecnicas incluindo um sistema de delay de fita com bobina dupla da Revox que viria a desempenhar um papel central na obra de Fripp, este sistema ficou conhecido como “Frippertronics” Fripp e Eno também tocaram juntos em vários shows na Europa em 1975.

Fripp passou algum tempo afastado da indústria da música na década de 1970 mais tarde enquanto ele cultivava um interesse no ensino de Gurdjieff por J.G. Bennett (estudos que mais tarde se tornariam influentes em seu trabalho com o Guitar Craft) Ele voltou para o trabalho musical como guitarrista de estúdio no primeiro álbum solo de Peter Gabriel em 1976, Fripp excursionou com Gabriel para apoiar o álbum mas permaneceu nos bastidores e usou o pseudônimo de “Dusty Rhodes”.

Em 1977 Fripp recebeu um telefonema de Eno para ele tabalhar em um álbum de David Bowie o “Heroes”, Fripp concordou em tocar guitarra no álbum um trabalho que iniciou uma série de colaborações com outros músicos, Fripp logo contribuiu com sua arte musical na produção do segundo álbum de Peter Gabriel e colaborou com Daryl Hall em spiritual songs, durante este período Fripp começou a trabalhar em material solo com contribuições da poetisa e compositora Joanna Mr. Walton e vários outros músicos incluindo Gabriel, Eno e Peter Hammill Place, Jerry Marotta, Phil Collins, Tony Levin e Terre Roche. Este material eventualmente se tornou seu primeiro álbum solo lançado em 1979 seguido pela turnê Frippertronics naquele ano, enquanto ele estava morando em Nova York Fripp contribuiu para álbuns e apresentações ao vivo de Blondie e Talking Heads e produziu o primeiro disco da Roche que continha muito da guitarra característica de Fripp. Uma segunda reunião criativa com David Bowie produziu distintas partes de guitarra em Scary Monsters (e Super Creeps) em1980.

Tambem colabororou com o baixista Busta Jones, o baterista Paul Duskin e o vocalista David Byrne ( Byrne é creditado como Absalm el Habib) enquanto ele estava à altura do que ele chamou de “divisão da turnê da nova onda de banda instrumental “sob o nome de League of Gentlemen bassist Sara Lee e o tecladista Barry Andrews Trummilate Toobad Johnny (mais tarde substituído por Kevin Wilkinson) o LOG excursionou por todo o ano de 1980.

No início de 1990 Fripp contribuiu com sua guitarra em sound for life forms (1994) pela The Future Sound of London & Cydonia (lançado em 2001),o The Orb FFWD  com os seus membros também trabalharam juntamente com Fripp e Brian Eno co-escrevendo e colocando a guitarra em duas faixas em um projeto de CD-ROM  em 1994, Eno criou os aspectos visuais do disco (efeitos de feedback de vídeo), foi uma grande decepção quando ficou pronto e Fripp lamentou sua participação, durante este período Fripp também contribuiu para álbuns de No-Man (a banda Porcupine Tree de Steven Wilson) e em (Boca Flower X 1994 e 1996 respectivamente).

1981 acontece a formação do King Crimson junto com Adrian Belew, Bill Bruford e  Tony Levin com um album com o nome de “discipline”, o grupo sentiu que sua música conquistou o publico com este “novo método” depois de lançar três álbuns mas se separaram em 1984.

Durante este período, Fripp fez dois registros com seu velho amigo Andy Summers , Fripp e Summers tocaram todos os instrumentos porem os albums foram mais dominados por Summers que produziu os álbums.

Em 1982 Fripp produziu e tocou com The Roches que eram semelhantes ao seu hóspede anterior David Bowie Scary Monsters (que também impulsionou Pete Townshend e Chuck Hammer para a guitarra sustain) no estilo de guitarra “skysaw” que caracterizou este período da pedagogia Fripp.

Foi oferecido a Fripp um cargo de professor na Sociedade Americana para a Educação Contínua (ASCE) em Claymont Court West Virginia em 1984, ele havia se envolvido com a ASCE desde 1978 e acabou servindo em sua diretoria e foi considerada a idéia de Frip para ensinar guitarra. Seu curso Guitar Craft começou em 1985 um dos resultados foi o grupo “The League of Crafty Guitarists” que lançou vários álbuns em 1986, ele participou da primeira de duas colaborações com os seus membros Hustru Toyah Willcox California Guitar Trio, são ex-membros os  Federal Crafty Guitarrists e Gitbox Rebellion inclui vários ex-alunos da California Guitar Trio que também excursionaram com o King Crimson.

Fripp retornou ao estudio de gravação em 1994 com uma versão digital atualizada do Frippertronics que em vez de fitas para criar os “laços” de Fripp lançou uma série de itens que ele chamou de “Soundscapes”. Nas gravações soundscapes o funcionamento interno da música não é tão claramente postas a nu como são.

As colaborações de Fripp com David Sylvian tem um pouco de sua guitarra mais exuberante, Fripp contribuiu com vinte minutos na canção “Steel Cathedrals” com sua alquimia, um registo do álbum de 1985.

Em algum momento no final de 1991 Fripp pediu a Sylvian para se tornar vocalista para reformar o King Crimson mas Sylvian recusou o convite porem sugeriu uma possível relação entre os dois mais tarde, que se tornaria em uma turnê no Japão e na Itália na primavera de 1992. Em julho de 1993 Sylvian e Fripp logo convidaram Trey Gunn para entrar no King Crimson e quase Jerry Marotta se tornou membro na bateria quando o grupo excursionou para promover o futuro CD o membro Pat Mastelotto assumiu o lugar de baterista e o documento ao vivo foi lançado em 1994.

No final de 1994 o King Crimson foi para sua quinta encarnação acrescentando Trey Gunn e Pat Mastelotto  em uma configuração conhecida como “double trio.”

De 1997 a 1999 e novamente em 2006 a banda King Crimson “frakctalised” em cinco grupos chamados “Projekcts”.

Em 2000 lançaram um álbum de estúdio The Construkction of Light from a sixth flax Eupen of King Crimson (Robert Fripp, Adrian Belew, Trey Gunn e Pat Maste lotto).

Em março de 2004 uma setima line-up foi concebida e Tony Levin retorna para substituir Trey Gunn.

Em 2004 Fripp entra em turnê com Joe Satriani e Steve Vai com o Trio G3.

Robert Fripp trabalhou na Microsoft Studios para gravar  os sons e criar atmosferas no final de 2005 e início de 2006 para o Windows Vista.

Fripp entrou para o Bill Rieflin Slow music improvisation project  com o guitarrista Peter Buck, Fred Chalenor (baixo acústico), Matt Chamberlain (bateria) e Hector Zazou (teclados) este grupo de músicos saiu em turnê na costa oeste dos EUA em maio 2006.

Em outubro de 2006 o Projekct Six (Robert Fripp Adrian Belew) tocaram em locais selecionados na Costa Leste dos EUA abrindo para o Porcupine Tree.

Fripp contribuiu com paisagens sonoras para algumas canções do Porcupine Tree, Fear of a Blank Planet, he is on track, “The road from here”  que são parte do EP “Nil recurring ” que foi lançado em 2007…

Eduardo Piloto

Manfred Mann Earth Band

Manfred Mann Earth Band foi formada em 1971 e sua line-up atual ainda conta com dois dos membros originais dos anos setenta, Manfred Mann nos teclados e Rogers Mick na guitarra e vocais, reproduzindo aos fãs as músicas favoritas ao vivo com facilidade.
Manfred Mann - teenbeat 1967Manfred Mann dirigiu suas tropas através de quatro décadas de mudanças musicais desde os anos sessenta em que Manfred Mann  goza de uma série de nada menos que 18 discos de sucesso incluindo três números um nas paradas do Reino Unido: “The Almighty Quinn”, “Pretty Flamingo “e” Do Wah Diddy Diddy “. Depois disso foi formada com Mike Hugg a Manfred Mann Chapter III uma banda de jazz na qual durante a sua vida curta tem sido descrita por Manfred como uma reação a “fábrica de acertos” do  Manfred Mann. Foi porém com a formação da Earth Band em 1971 que Manfred foi capaz de encontrar a plataforma ideal para a maior parte de sua produção musical desde então.

De 1971 a 1975 a Earth Band produziu seis álbuns, cada um mostrando um crescente grupo de direção e força. Entre estes estava o já clássico ” Solar fire” onde na qual surgiu o top 10 hit “Joybringer”. No entanto foi através dos concertos ao vivo que a  Manfred Mann Earth Band estava construindo uma reputação mundial como uma grande banda de rock com uma base de fãs muito leais. Em 1975 veio uma mudança na formação com um novo homem a frente, Chris Thompson. O primeiro single lançado foi a versão de “Blinded By The Light” de Bruce Springsteen  que alcançou o número um nas paradas americanas da Billboard e foi um enorme sucesso em todo o mundo assim como o álbum que se seguiu,”The Roaring Silence “.

manfred_manns_earth_band_-_watch_Apesar de “The Roaring Silence” ter sido um álbum muito popular em todo o mundo,  foi o álbum seguinte simplesmente chamado de “Watch” que é considerado juntamente com “Solar fire” um grande clássico. Assim como o hit single “Davy On The Road Again”, “California” e “The mighty Quinn” “Watch” apresentaram se como as favoritas ao vivo assim como “Chicago Institute” e a faixa que para muitos para muitos é o hino da banda, “Martha’s Madman” outra canção que ainda  caracteriza os shows ao vivo.

Ao longo dos anos que se seguiram mais álbuns e turnês como “Angel station”, “Chance” e “Somewhere in Afrika” e um álbum ao vivo, “Budapeste”. No final dos anos oitenta Manfred esteve algum tempo fora da Earth Band, mas “Plains Músic” logo surgiu, este é um álbum que em sua maioria  tem melodias norte-americanas e indianas realizadas por Manfred e alguns amigos sul-Africanos onde tambem foi introduzida Noel McCalla vocais, que mais tarde assumiria os vocais para as turnês dos anos 90.

Alguns anos se passaram e a banda trabalhalhou em outro album ” Soft Vengeance ” com Noel e Chris assumindo a responsabilidade conjunta para os vocais. Em 1996 o tão aguardado álbum novo foi liberado e a Manfred Mann Earth Band embarcou em uma extensa turnê européia que os manteve na estrada pelo resto de 96 e parte de 1997. A partir desta turnê muitos dos concertos foram gravados para o álbum definitivo ao vivo “Mann Alive” que foi lançado em 1998. A banda continuou em turnê por toda a Europa tendo passado por países como a Rússia e a Grécia em 2000.

O ano de 2004 assistiu a confusão do intitulado álbum lançado em 2006  essencialmente um álbum solo de Manfred Mann com os membros da Earth Band. E deram continuidade a turnê extensivamente com datas para 2010. Em setembro de 2009 aconteceu a partida de Noel McCalla que foi substituído por Peter Cox anteriormente conhecido por seu trabalho com Go West. Peter Cox deixou a banda em 2011 devido aos seus compromissos alargados com seu grupo Go West. Ele foi substituído por Robert Hart.

ManfredMannsEarthBandPara comemorar o 40 º aniversário do Manfred Mann Earth Band em dezembro de 2011 foi lançada uma caixa impressionante composta por 21 CDs, um livreto de 36 páginas com a história da banda com extensas notas para cada álbum, um livro de 32 páginas de memórias próprias  de Manfred e anedotas, contendo tambem um pôster da banda atual. Os CDs do catálogo foram remasterizados e embalados em  capinhas tipo LP . Contendo inclusive um album chamado Live In Ersingen que é uma gravação completamente nova ao vivo em 22 de Julho de 2011 apresentando o mais recente vocalista da banda Robert Hart e tambem Leftovers  uma compilação de singles e gravações raras ou não disponíveis anteriormente. Uma pequena série de quatro datas no Reino Unido foram anunciadas para Maio de 2012 com Manfred Mann nos teclados, o guitarrista Mick Rogers, Steve Kinch no baixo, Jimmy Copley na bateria e Robert Hart vocais, notável por ser um ex-membro do Bad Company e The Jones Gang.
Maio de 2012 assistiu quatro datas no Reino Unido onde os fãs antigos e novos puderam  ouvir ao vivo muitos dos grandes classicos da banda com grandiosa qualidade…

Eduardo Piloto

A Invasão Britânica

BRITISH INVASIONO tom rebelde e a imagem do rock and roll americano e dos músicos de blues se tornaram populares entre a juventude britânica na década de 1950. As primeiras tentativas  para “copiar” o rock and roll americano em sua maioria resultaram no skiffle com sua tadição do “faça você mesmo” foi o ponto de partida de vários artistas britânicos e que mais tarde iria vir a influenciar os jovens a desenvolver novos caminhos dentro do universo do rock na inglaterra no inicio dos anos 60 resultando num fenomeno que ficou conhecido como a Invasão Britanica.

A invasão britânica teve um impacto profundo no desenvolvimento da música popular. Ajudou a internacionalizar a produção do rock and roll que instituiu a indústria da música popular britânica como um centro viável de criatividade musical e abriu a porta para posteriores artistas britânicos, irlandeses e escoceses a alcançar o sucesso internacional. Na América indiscutivelmente significou o fim da surf music instrumental. Inspirou muitos  grupos a desenvolverem  uma cena a partir da qual muitos dos principais atos entre os norte-americanos viriam a ser inspirados por eles.  A invasão britânica também desempenhou um papel importante no surgimento de um gênero distinto da música rock, e cimentou a primazia das bandas de rock.
Embora a maioria das bandas relacionadas  a invasão não sobreviveram até o fim, muitos outros se tornariam ícones da música.
Muitas bandas americanas também mostraram um som semelhante ao dos   artistas  britânicos e por sua vez destacaram a forma como os britânicos brilhantemente trabalhavam o rock.

The AnimalsO The animais  era uma banda da década de 1960  conhecida nos Estados Unidos como parte da Invasão Britânica. Conhecido por seu som influenciado pelo blues e pela profunda voz do vocalista Eric Burdon  exemplificado por suas canções como “The House of the Rising Sun” e “We Gotta Get Out Of This Place”, o The animals foi submetido a inúmeras mudanças em sua formação e emergiu como um expoente do rock psicodélico antes de se dissolver no final da década. Formada em Newcastle  durante 1962 e 1963 quando Burdon juntou-se a Alan Price & Blues Combo Blues, o original line-up éra composto por Eric Burdon (vocais), Alan Price (órgão e teclados), Hilton Valentine (guitarra), John Steel (bateria ) e Bryan “Chas” Chandler (baixo). Eles foram apelidados de “Animals” por causa de seus atos selvagens e o nome pegou. O sucesso dos Animals era moderado em sua cidade natal e uma conexão com o empresário dos Yardbirds  Giorgio Gomelsky os motivou a se mudarem para Londres em 1964 sendo assim incluídos na chamada Invasão Britânica.
Idealizado pelo produtor Mickie Most os singles tiveram muitos recursos utilizados em sua produção, “Bring It On Home To Me” e “Do not Let Me Be Misunderstood”. Em contraste com faixas  como “Boom Boom” de Hooker e Ray Charles “I Believe to My Soul” são exemplos notáveis. A voz de Burdon profunda e poderosa e o uso de teclados tanto quanto ou mais do que das guitarras eram dois elementos que fizeram o som dos Animals se destacarem.
Em outubro de 1966 Burdon, Jenkins e John Weider (guitarra / violino / baixo), Vic Briggs (guitarra / piano) e Danny McCulloch (baixo) reformularam a banda com o nome de Eric Burdon and the animals (ou Eric Burdon and the New animals). O blues foi transformado em “versões” psicodelicas. Alguns dos sucessos deste grupo incluído “San Franciscan Nights”, “Monterey” (homenagem ao Monterey Pop Festival) e ” Sky Pilot”. Seu som era muito mais pesado que o do grupo original. Burdon gritou mais alto em versões ao vivo de “Paint it Black” e “Hey Gyp”. Em 1968 por vezes trabalharam o som de forma som mais experimental em canções como “We Love You Lil”.
Os Animals ainda visitavam com freqüência a Europa onde eles mantiveram uma frêquencia bastante grande com uma nova banda de apoio em 1998 com Eric Burdon and the new animais. Esta era apenas uma renomeação de uma banda existente que havia saido em turnê desde 1990. Os membros deste novo grupo incluía Dean Restum, Dave Meros, Neal Morse e Aynsley Dunbar. Martin Gerschwitz substituído por Morse em 1999 e Dunbar foi substituído por Bernie Pershey em 2001.

the_beatles_The Beatles foi uma banda de rock pop de Liverpool, Inglaterra formada em 1960. Primeiramente a banda era composta por John Lennon (guitarra rítmica e vocal), Paul McCartney (baixo e vocal), George Harrison (guitarra e vocal) e Ringo Starr (bateria e vocal). Os Beatles são reconhecidos por liderar a “Invasão Britânica” nos Estados Unidos. Embora seu estilo musical inicial tenha sido enraizado nos 50s pelo rock and roll e skiffle homegrown, o grupo explorou varios gêneros inclusive o rock psicodélico. Suas roupas, estilos e declarações fizeram deles criadores de tendências, enquanto a sua crescente “consciência” psudo social assistiu sua influência se estender para as revoluções sociais e culturais da década de 1960. Após 1970 a banda se separou e os quatro membros iniciaram carreiras solo. Os Beatles é uma das bandas de maior sucesso e aclamados pela crítica na história da música popular, vendendo mais de um bilhão de discos internacionalmente. No Reino Unido The Beatles lançou mais de 40 singles diferentes, álbuns e EPs que alcançaram o primeiro lugar nas paradas, alcançando o primeiro lugar por mais vezes que qualquer outro grupo no Reino Unido. Este sucesso comercial foi repetido em muitos outros países, a sua gravadora a EMI, estima que em 1985 eles tinham vendido mais de um bilhão de discos em todo o mundo. De acordo com a Recording Industry Association of America, The Beatles venderam mais álbuns nos Estados Unidos do que qualquer outra banda.

creamCream foi um banda de rock britânica composta pelo baixista / vocalista Jack Bruce, o guitarrista / vocalista Eric Clapton, eo baterista Ginger Baker. Seu som foi caracterizado por um híbrido de blues rock e hard rock psicodélico. Em retrospectiva para ser “o primeiro supergrupo” combinando a guitarra de Clapton  com a voz poderosa e os basslines intensos de Jack Bruce com a influencia jazzistica do baterista Ginger Baker. Eles  venderam mais de 35 milhões de álbuns em todo o mundo. Wheels of Fire foi o  primeiro álbum  de platina duplo do mundo. A música  do cream incluiu canções feitas em blues tradicional, como “Crossroads” e “Spoonful” e os blues modernos como “Born Under a Bad Sign”, bem como canções mais excêntricas como “Strange Brew”, “Tales of Brave Ulysses” and “Toad”. Os maiores sucessos de cream foram “I Feel Free” (UK, # 11), “Sunshine of Your Love” (EUA, # 5), “White Room” (EUA, # 6), “Crossroads” (EUA, # 28), e “Badge”. O Cream fez sua primeira visita aos Estados Unidos em março de 1967 para tocar em nove datas no Teatro RKO em Nova York. E voltaram para gravar o Gears Disraeli, em Nova York entre 11 de Maio e 15 de maio de 1967. O segundo álbum do Cream foi lançado em novembro de 1967 e alcançou o Top 5 nas paradas em ambos os lados do Atlântico.
Desde a sua criação o Cream foi confrontado por alguns problemas fundamentais que mais tarde dariam origem à sua dissolução em novembro de 1968. A rivalidade entre Bruce e Baker trouxe grandes tensões na banda. Clapton também achava que os membros da banda não  ouviam uns aos outros o suficiente. Clapton contou  que certa vez o Cream estava tocando em um concerto e ele parou de tocar e nem Baker ou Bruce notaram. Decidiram que iriam terminar em maio de 1968 durante uma turnê nos EUA. Mais tarde em julho um anúncio oficial foi feito declarando que a banda iria se romper após uma turnê de despedida nos Estados Unidos e depois de dois concertos em Londres. Terminaram sua turnê pelos Estados Unidos em 4 de novembro em Rhode Island e tocando no Reino Unido pela última vez em Londres em 25 e 26 de Novembro. Em 1993 o Cream foi introduzido no Rock and Roll Hall of Fame e deixaram de lado suas diferenças para tocar na cerimônia de indução. Inicialmente o trio foi cauteloso sobre a realização até as palavras encorajadoras de Robbie Robertson que os inspiriraram a tentar. O resultado final foi uma apresentação incendiária…

Jeff Beck GroupThe Jeff Beck Group – foi uma banda de rock formada em  Londres em fevereiro de 1967 pelo ex-Yardbird o guitarrista Jeff Beck. Sua abordagem inovadora para o som heavy-blues foi uma grande influência na música popular no final dos anos 1960 e início de 1970. O primeiro Jeff Beck Group foi formado em Londres em 1967,  Jeff Beck (guitarra), Rod Stewart (vocal), Ronnie Wood (baixo) e Aynsley Dunbar (bateria). Beck havia assinado um contrato de gestão pessoal com o famoso produtor de  singles do Reino Unido Mickie Most.  Eles gravaram três singles no Reino Unido cada um com vendas mais baixas que as de seu antecessor, mas os lados “B” demonstravam o potencial do grupo. Porem o produtor rapidamente perdeu o interesse em Beck e o grupo se debateu durante a maior parte do ano.
A banda excursionou pelos EUA em meados de 1968. A turnê teve um sucesso enorme e eles estavam sendo apontado como o substituto óbvio do Cream. O álbum chegou ao número 15 nas paradas da Billboard. No final do ano o  conhecido  tecladista Nicky Hopkins aceitou uma oferta para excursionar com o grupo de Beck. Essa formação (Beck, Stewart, Wood, Waller e Hopkins) acabaria por sofrer com lutas internas, inveja e demissões. Ronnie Wood foi despedido pelo menos duas vezes e em 1969 Micky Waller foi substituído pelo baterista Tony Newman que permaneceu com o grupo até que se desfez. Eles tocaram vários shows de 1967 a 1969. Em 1967 eles tocaram na Inglaterra bem como em pequenas excursões para a Europa e Escandinávia.  Em 1968 e 1969 tocaram uma grande quantidade de shows principalmente nos EUA e  mais uma vez na Europa também. Jimi Hendrix era um grande fã do grupo e se juntou a eles no palco durante a turnê nos EUA de 1968 tocando com Jeff Beck no palco. A banda ficou quase três anos juntos e produziu três singles no Reino Unido e dois LPs. Há no entanto dezenas de primeiras gravações produzidas em Delane Lea estúdios em 1967 e 1968 especificamente para vários programas de rádio da BBC incluindo Saturday Club, Top Gear, e no Salão Simmonds. Pirataria de má qualidade, estes nunca foram oficialmente lançados.

Esses são apenas alguns entre tantos outros exemplos de jovens que formaram  suas bandas influenciados por parte da cultura Americana e que invadiram os EUA com seu modo alucinante de  pensar tocar e agir.

                                                Eduardo Piloto

Renaissance

Renaissance  albumEm janeiro de 1969 os ex-integrantes do Yardbirds Keith Relf e Jim McCarty organizaram um novo grupo dedicado à experimentação entre rock, folk e formas clássicas. Relf na guitarra e vocais, McCarty na bateria, além do baixista Louis Cennamo, o pianista John Hawken, e a irmã de Relf Jane Relf como vocalista adicional. lançaram um par de álbuns pela Elektra (EUA) e Island (UK) o primeiro intitulado simplesmente “Renaissance” sendo produzido pelo colega ex-Yardbird Paul Samwell-Smith.

A banda começou tocando em maio de 1969 principalmente no Reino Unido mas com incursões ocasionais no exterior incluindo festivais na Bélgica (Amougies em outubro de 1969) e França (“Operação 666” no Olympia em janeiro de 1970 e Le Bourget em março de 1970 ambos em Paris). Em fevereiro de 1970 eles embarcaram em uma turnê norte-americana não obtendo muito sucesso.

A partir do final da primavera de 1970 a banda original foi gradualmente se dissolvendo. Relf e McCarty decidiram parar de atuar e juntarem-se com Cennamo Coliseu. Hawken organizou uma nova line-up para cumprir as obrigações contratuais e completar o segundo álbum da banda, Illusion, que ainda estava inacabado.
Além de Jane Relf, a nova  banda era formada principalmente por ex-integrantes da banda anterior, Hawken, o guitarrista Michael Dunford, o baixista Neil Korner e o cantor Terry Crowe, além do baterista Terry Slade. Esta formação gravou uma faixa, “Mr Pine” uma composição de Dunford, tocaram em alguns shows durante o verão de 1970. Enquanto isso uma sessão de gravação final reuniu a formação original, Hawken com Don Shin nos teclados produziram a faixa de fechamento do album, “orbits above the dust”. IIlusion  foi lançado na Alemanha em 1971 embora não lançado no Reino Unido até 1976. O álbum marcou o início de uma colaboração do Renassance de longa data com o poeta Betty Thatcher-Newsinger como letrista, ele co-escreveu duas músicas com Relf e McCarty.

Annie HaslamOs dois membros restantes originais sairam no Outono de 1970, Jane Relf foi substituído pelo cantor folk norte-americana “Binky” Anne-Marie Cullom, em seguida John Hawken tambem saiu para se juntar ao Spooky Tooth e o pianista John Tout o substituiu. Essa line-up pôde ser vista executando três músicas (“Kings and Queens”, “Gold Thread” e “Mr. Pine”) em um programa da TV alemã. O plano na época era que Keith Relf e Jim McCarty permaneceriam envolvidos como “membros inadimplentes”, Relf como produtor e McCarty como compositor. Ambos estavam presentes quando a vocalista Annie Haslam passou no teste com sucesso em janeiro de 1971. McCarty viria a escrever músicas para a nova banda mas o envolvimento com Relf seria de curta duração. Dunford logo emergiu como um compositor prolífico, e também continuou a parceria com o escritor Thatcher, que viria a escrever a maioria das letras dos álbuns da banda 1970.

Em 1971 o novo empresario Miles Copeland decidiu reorganizar a banda. Até então Haslam tinha compartilhado  os vocais com Terry Crowe que era o vocalista principal da banda e que saiu e Korner foi substituído por uma sucessão de baixistas, incluindo John Wetton (King Crimson posterior Ásia), Frank Farrell (mais tarde no Supertramp) e Danny McCulloch (ex-The Animals e um ex-colega de banda de Dunford e Crowe em The Plebs) com a inclusão de Jon Camp. Também foi decidido que seria Dunford  que iria concentrar-se em compor e um novo guitarrista, Mick Parsons, foi trazido para o trabalho ao vivo. Em 1972 pouco antes de gravar as sessões para o LP de estréia da nova formação o baterista Terence Sullivan entrou após a troca inicial, Slade foi considerado inadequado na sequência de uma turnê européia. Tragicamente o guitarrista Parsons morreu em um acidente de carro e foi substituído a curto prazo por Rob Hendry. O line-up resultante entrou em estúdio tendo tocado apenas uma dúzia de shows juntos. Prologue foi lançado no final de 1972 EMI Records (UK), composto por Dunford com exceção de duas músicas por McCarty e todas as letras por Thatcher. Francis Monkman da banda Curved Air foi convidado a fazer  sintetização no final da faixa “Rajah Khan”.

Hendry foi substituído na turnê Prologue por Peter, que por sua vez, deixou o grupo pouco antes das sessões para o próximo álbum. Michael Dunford em seguida havia retornado como (guitarrista acústico) completando o que a maioria dos fãs consideram a formação classica e que permaneceram juntos por seis álbuns Renaissance ashes are burningde estúdio. Ashes are Burning foi lançado em 1973.  Andy Powell do Wishbone Ash foi convidado para um solo de guitarra no final da faixa “Ashes are Burning” que se tornou um dos hinos da banda.  O álbum se tornou o primeiro da banda a estourar nas paradas dos EUA onde atingiu o numero 171 na “Billboard 200”. A banda tocou os seus primeiros concertos nos EUA, durante esse período aproveitando o sucesso que fazia particularmente na costa leste que logo resultou em um concerto especial com orquestra na Academia de Nova York de Música em maio de 1974. Logo o Renassance iria se concentrar no mercado dos EUA, já que a imprensa do Reino Unido os havia ignorado.
Com um orçamento maior, o álbum  passou de folk-flavored para um  exuberante som de rock e orquestra. Uma das canções do álbum, “Things I do not understand” é um tributo a Aleksandr Solzhenitsyn, chamada “Mother Rússia”, encerrou o álbum com letra inspirada por seu romance autobiográfico “Um Dia na Vida de Ivan Denisovich”. O LP foi emitido pela primeira vez nos Estados Unidos pela Sire Records em agosto de 1974, onde alcançou a posição numero 94 alguns meses antes do lançamento oficial no Reino Unido, o álbum foi finalmente lançado no Reino Unido em Março de 1975.

Foi logo seguido por Scheherazade and Other Stories  lançado em ambos os lados do Atlântico em Setembro de 1975. O álbum cujo segundo lado foi tomado por um  tom épico em “Song of Scheherazade” baseado nas histórias de “Mil e Uma Noites” alcançou a posição numero 48 nos Estados Unidos.

O álbum duplo ao vivo, Live at Carnegie Hall lançado em 1976. Apesar das críticas que diziam que a maior parte do álbum era pouco mais que seus últimos quatro álbuns de estúdio alcançou a posição numero 55  nos EUA. Por outro lado Parte da crírica refere-se a Ashes are Burning como a faixa-título do segundo álbum do grupo ao invés de seu quarto, sugerindo que a formação com Haslam é uma banda distinta da antiga formação da banda.

Seu seguimento Novella, também trouxe um sucesso modesto nos gráficos dos EUA chegando ao # 46 em 1977.

RenaissanceNa década de 1970 o Renaissance definiu o seu trabalho como folk rock e fusões clássicas, suas músicas incluem citações e alusões de compositores como Alain, Bach, Chopin, Debussy, Giazotto, Jarre, Rachmaninoff, Rimsky-Korsakov, Prokofiev. Especialmente Ashes Are Burning era freqüentemente reproduzida em estações americanas de rádio de rock progressivo como WNEW-FM, WHFS-FM, WMMR-FM, KSHE 95 e WVBR.

Apesar do sucesso comercial ter sido limitado durante este período o Renaissance teve um single de sucesso na Grã-Bretanha com Northern Lights, que chegou ao # 10 durante o verão de 1978. O single foi tirado do álbum A Song for All Seasons (um álbum # 58 nos EUA).

Com a sindicalização dos  músicos de orquestra que se seguiu não era mais viável financeiramente para a banda continuar com o seu tradicional som orquestral. A banda começou a viver seu declinio em 1979 com Azure d’Or que fugiu a proposta com a qual seu publico tanto se familiarizou. Como resultado os fãs começaram a perder o interesse e o  álbum alcançou a posição # 125.

Após a turnê Azure d’Or  John Tout deixou o grupo por motivos pessoais, rapidamente seguido por Terry Sullivan. Camera (1981) e Timeline (1983)  trouxeram ainda mais o Renaissance para o gênero contemporâneo synth pop e que também não rendeu interesse para alimentar um futuro viável para a banda (Câmera foi o último  álbum da banda a “quase funcionar” nas paradas dos EUA onde atingiu # 196 no final de 1981).

Os albuns do Renaissance não estavam disponíveis individualmente em CD durante algum tempo. A Sire lançou uma compilação em duas partes, Tales of 1001 Nights que compilava o período 1972-79, em 1988. Na década de 1990 a maior parte do catálogo apareceu em CD. Em 2006 o Repertório foi re-lançado remasterizado.

Em meados de 1990 Haslam havia lançado um album solo em 1989 e Dunford  estava trabalhando em um musical  com base na história de Sherazade, ambos formaram suas próprias bandas utilizando o nome Renaissance e álbuns lançados com outros line-ups.

ORenaissance foi parcialmente remodelado em 1998 em torno de um núcleo que contava com Haslam, Dunford e Sullivan, além de Tout e vários novos músicos, principalmente Roy Wood e Mickey Simmonds para gravar o CD Tuscany. Em 1999, Haslam, Dunford e Simmonds fizeram um show único no Astoria em Londres . Em 2001, após o lançamento tardio de Tuscany, uma tour completa da banda  foi organizada, composta por um concerto em Londres (mais uma vez no Astoria) e diversas datas no Japão. Essa breve formação da banda  terminou rapidamente.

Terry Sullivan então gravou um álbum chamado South of Winter com um grupo de estúdio e deu-lhe o nome Renaissance, com letra de Betty Thatcher-Newsinger e contribuições dos teclados de John Tout.

Em 20 de setembro de 2008 John Tout fez sua primeira aparição pública  nos EUA após 25 anos com Annie Haslam e Jann Klose band no Teatro Sellersville em1984 na Pensilvânia.

Algum tempo antes do Verão de 2009, John Tout sofreu um ataque cardíaco.

RenaissanceLive!No final de agosto de 2009, Annie Haslam anunciou que ela e Michael Dunford iriam comemorar o 40 º aniversário do Renaissance com uma banda reformada chamada Renaissance  (não incluindo nenhum outro membro do “clássico” line-up mas com músicos da formação de 2001) em uma turnê de concertos.

houve uma turnê realizada no leste da América do Norte e no Japão em 2010, outros concertos tiveram lugar durante o outono de 2011 com Haslam, mas sem nenhum dos ex-colegas de banda.

A banda será a atração principal do intitulado Apocalypse Nearfest em 23 de junho de 2012.

Eduardo Piloto

Le Orme Collage

 Le Orme collageO Le Orme começou em Veneza em 1966 como uma banda “pós beat psicodelica” . Depois de dois álbuns com estilo psicodélico e algumas mudanças line-up em 1971 eles lançaram o que muita gente considera ter sido o primeiro álbum de rock progressivo italiano o “Collage”. O line-up aqui caracteriza Aldo Tagliapietra (vocais, baixo, violão), Antonio Pagliuca (órgão Hammond, piano elétrico) e Michi Dei Rossi (bateria, percussão). No estúdio eles conseguiram a ajuda de um produtor especialista, Gian Piero Reverberi que ajudou a moldar o seu som inovador misturando influências do prog britânico (Emerson Lake & Palmer e acima de tudo Quatermass) com melodia italiana e música clássica. O resultado foi um álbum muito bem sucedido que agora é considerado um marco do rock progressivo italiano.

A faixa-título de abertura é quase um “prog barroco” hino inspirado por Domenico Scarlatti, Sonata em Mi Maior, que começa com uma poderosa onda de órgão logo apoiada por uma “marcha animada” que vai se alterando para um clima mais suave e com um forte sabor clássico. Seções de órgãos e ritmo em seguida voltam para o “grand finale”. É uma faixa magnífica e tornou-se uma espécie de marca registrada da banda.

Um lindo padrão de violão apresenta a próxima faixa, “Era Inverno” que é sobre um amor conturbado entre um jovem e uma prostituta … “Toda noite você se preparar – Sempre linda e sorridente – atriz que não de muda cena – A tristeza da lua – Nas mãos do povo – que possuem falsa alegria  … Eu gostaria de dizer a você – Eu não me importo que as pessoas pensam – Ainda me lembro daquela noite – Era inverno e você estava tremendo – Você estava brilhando sobre a neve – Eu disse: É a primeira vez … “.

A claustrofóbica “Cemento Armato” (concreto armado) é sobre a necessidade de fugir da fumaça e poluição que você encontra nas modernas áreas metropolitanas. Ela começa quase como uma explosão desesperada de dor, apenas  voz e piano … “O concreto armado, a grande cidade – Você pode sentir que a vida está indo embora – Perto de casa você não pode respirar – É sempre escuro, estamos de luto – Há mais “hooters” no ar  que canções de rouxinol – É melhor fugir e nunca mais voltar … “. A longa seção instrumental é complexa, você quase pode sentir a atmosfera opressiva de uma cidade, ocupada pelo nevoeiro. Eventualmente, os fades com tensão ao longe … “Despertar Doce, o sol está comigo – No ar você pode ouvir o som de uma guitarra – A casa está longe – Tudo fundido – Eu não consigo nem me lembrar dos amigos de ontem – concreto reforçado na cidade grande – Você pode sentir que a vida está indo embora … “.

“Sguardo verso il cielo” (Olhar para o céu) é uma das melhores faixas do repertório da banda. É uma canção de esperança cheia de energia positiva, quase uma súplica … “A alegria de cantar, o desejo de sonho – A sensação de alcançar o que você não tem – Aqui vem mais um dia como ontem – Você tem que esperar pela manhã para começar de novo … A força para sorrir, a força para lutar – A culpa de estar vivo e não ser capaz de mudar – Como um galho morto, esquecido – Que tenta em vão brotar uma flor … A máscara de um palhaço no meio de um deserto – Um fogo que se apaga, um olhar para o céu – Um olhar para o céu onde o sol é uma maravilha – Onde nada se torna o mundo – Onde Sua luz brilha … ” .

“Evasione Totale” (avanço Total) é um instrumental longo onde os membros da banda podem mostrar sua musicalidade. Começa baixinho e o ambiente é escuro e espacial depois improvisando um padrão de órgão e linhas de baixo que pulsando trazem de volta um sentido de ordem para o final.

Le Orme“Immagini” (Imagens) é uma peça curta. As letras sugerem imagens evocativas com um toque psicodélico … Tente imaginar um fluxo na lua, um jardim no meio do sol, um cipreste no deserto, gramados violeta, uma estátua em movimento e as pessoas falando por aí … Mas há algo faltando! “Sol Um maravilhoso, um dia maravilhoso – Muitas estrelas na noite – Alguns sorrisos nos lábios, os lábios nos lábios – mas ela não está lá, ela não está lá …”.

“Morte di un fiore” (morte de uma flor) começa com violão e voz, órgão e piano, em seguida, traz um sentimento melancólico elegíaco. A letra descreve a morte de uma jovem prostituta de forma poética … “Eles escreveram que para você a música era mais entre quatro e cinco da manhã – Enquanto a água do riacho corre para o mar – Em uma manhã pálida a última vez que fugiu – E o vento que te beijou foi seu único companheiro … “.

Bem, “Collage” é um grande álbum onde definiu-se o estilo da banda, grande influencia no desenvolvimento do progressivo italiano, um verdadeiro divisor de aguas. Este álbum de excelente sucesso abriu caminho para muitas bandas como Premiata Forneria Marconi, Banco del Mutuo Soccorso e Osanna …

Eduardo Piloto

Os Hippies de San Francisco

hippies-Em 1965 em San Francisco cuja cena era largamente parada nos anos de surf music e do Movimento de Greenwich de repente veio a se tornar uma das cidades mais efervescentes do país. Os poetas da “geração Beat” se mudaram para lá, o “Diggers” se tornou o bairro de Haight Ashbury um verdadeiro “teatro vivo”. Mario Savio fundou o “Movimento da Livre Expressão” na Universidade de Berkeley. Havia excitação no ar. No verão de 1965 uma banda de San Francisco os Charlatans e seus fãs hippies assumiram a “Red Dog Saloon” em Virginia  (Nevada) e vieram com a idéia de tocar um novo tipo de música para um novo tipo de público. O Warlocks (mais tarde rebatizado de The Grateful Dead) foi contratado por Ken Kesey para em seus “testes de ácido” ( festas de LSD) onde a banda começou a realizar longas exibições instrumentais baseadas no country, blues e jazz. Em outubro do mesmo ano a Family Dog organizou a primeira festa hippie em “stivadore Long Hall”. Após o sucesso do “festival” abrira-se os caminhos para novas bandas de San Francisco e elas foram surgindo de toda parte. Esses atos incorporados aos ideais pacifistas que haviam sido promovidos por Bob Dylan  com uma postura muito menos política. Tinha uma filosofia de vida (“paz e amor” e drogas) que foi de muitas maneiras  conseqüência direta do que Dylan havia pregado, mas era também muito mais perto de filosofia budista e hindu, os Hippies não se reuniam para marchar mas para comemorar não para protestar mas para se alegrar. A experiência espiritual era proeminente sobre a experiência política. Isso representou uma mudança drástica dos tempos de rock’n’roll quando a música era um ato (em última análise, violento) de rebelião.
Festivais de rock foram promovidos como o “Human Be-In” realizada em janeiro de 1967 no Golden Gate Park o “Encontro das Tribos”. O fenômeno hippie foi o único que se tornou um movimento de massas que se espalhou rapidamente por todos os Estados Unidos (e no mundo) embora nunca teve um líder. Foi um movimento messiânico, sem um messias.
A música dos hippies era uma evolução do folk-rock. Ele foi renomeado “acid rock” porque a idéia original era o de fornecer uma trilha sonora para as festas de LSD com bandas  que refletissem tanto quanto possível os efeitos do  LSD. Esta música foi em muitos aspectos o equivalente a rocha da pintura abstrata  (Jackson Pollock) o free-jazz  (Ornette Coleman) a poesia  (Allen Ginsberg). Esses fenômenos tiveram em comum uma estrutura que formam o conteúdo e uma atitude de desrespeito aos valores estéticos seculares. Na música isso significava que a improvisação era  importante e (mais importante) do que a composição. A invenção principal do ácid-rock foi a “jam” que é claro já havia sido praticada por músicos de jazz e blues. Os músicos tinham um contexto um pouco diferente,  colocaram mais ênfase na melodia e menos ênfase no desempenho virtuoso. A diferença éra visível (além da raça dos músicos que éram brancos)  como o papel principal da guitarra elétrica. A diferença mais sutil era de que o espírito apaixonado e dolorido do Blues foi substituído por um ar transcedental o espírito zen. O arquétipo de ácid-rock foi gravado em Chicago pelo bluesman branco Paul Butterfield, uma peça longa que fundiu improvisação afro-americana e indiana. Do ponto de vista instrumental o acid-rock era ainda muito descendente do rhythm’n’blues mas do ponto de vista vocal era muito descendente da música popular do país. As melodias e as harmonias foram inspiradas nas tradições dos brancos. 1966 foi o ano em que: The Fugs, Paul Butterfield, East-West, Going Home dos Rolling Stones,Sad-eyed Lady dos Lowlands por Bob Dylan e etc. Os músicos de rock ao longo dos anos iriam gravar cada vez mais faixas longas e complexas.
hippiesJefferson Airplane foi uma das maiores bandas de rock de todos os tempos eles não apenas encarnaram o espírito e o som da era hippie mais do que ninguém mas também contavam com um grupo formidável de talentos que contribuiram imensamente para revolucionar a musica de seu tempo, vocal (Grace Slick), harmonização (Paul Kantner, Marty Balin),  baixo (Jack Casady ), o contraponto da guitarra (Jorma Kaukonen) e percussão (Spencer Dryden).Seus primeiros singles, Somebody To Love e White Rabbit ajudaram a estabelecer o rock psicodélico como um gênero musical. A música de Jefferson Airplane foi em grande parte auto-referencial e sua carreira se sente como um documentário de sua geração. Pillow surrealistic (nov 1966 – fevereiro 1967) foi um manifesto para a geração hippie. After Bathing At Baxter (jun 1967 – nov 1967) foi uma das maiores realizações artísticas da era psicodélica foi o álbum que rompeu com as convenções do formato canção e arranjos pop. Depois de Crown Of Creation (jun 1968 – setembro 1968), um desvio em transfigurados folk-pop-jazz-rock e baladas, canções de ninar em sua obra-prima suprema (abr 1969 – nov 1969) que fundiu uma certa tendência para trás em direção às raízes (musical e moralmente) e a tendência rumo a linha-dura na política contra o Imperialismo (1970 -? Nov 1970) foi um olhar nostálgico de volta aos ideais dos comunas e uma homenagem utópica para a era espacial. Sunfighter (1971 -? Nov 1971) foi um retorno  adulto e solene para o formato canção e com a natureza (um conceito “ecológico”). O segundo álbum do casal, o Baron Von Tollbooth & The Nun Chrome (dezembro 1972 – maio 1973) transformou os hinos do Jefferson Airplane em uma estética auto-suficiente. O seu “apelo de marketing” era precisamente o que eles representavam (e praticado), um novo estilo de vida enquanto que musicalmente eles raramente desafiaram o formato “canção orientada” da maneira que outras bandas de ácid-rock fizeram. Jefferson Airplane foi parcialmente aceito pelo establishment porque eles ainda estavam vivendo no mundo da música pop porque o povo e as raízes do blues ainda eram visíveis, pois a melodia ainda era o centro da massa.
Outros estavam reagindo contra todas os formatos anteriores. O Grateful Dead  considerado por muitos como “a” maior banda de rock de todos os tempos era um monumento da civilização hippie de São Francisco e em geral um monumento da civilização psicodélica dos anos 1960. Sua maior invenção foram as composições de forma livre o equivalente a  improvisação do jazz. Ao contrário do jazz  que  canalizou a revolta do povo afro-americanos o Grateful Dead foi a banda  das  “Viagens” de LSD. Mas logo  passou a representar uma ideologia  de fuga do estabelecimento defensora de liberdade artística e de estilos de vida hippiesalternativos. Contrariamente à sua imagem de viciados e desajustados o Grateful Dead foi um dos grupos mais eruditos de todos os tempos conscientes das composições atonais do avantgarde Europeu bem como a improvisação  do free-jazz e  ritmos de outras culturas. As escalas infinitas ascendentes e descendentes de Jerry Garcia estão entre as mais titânicas já realizadas dentro do universo do rock. O Grateful Dead nunca vendeu muitos discos seu formato preferido foi o concerto ao vivo e não o registro em estudio. Eles literalmente redefiniram o conceito de “música popular” que era o concerto ao vivo evitando as leis do capitalismo a remoção do plano de negócios de entretenimento. Suas obras-primas gravadas, Anthem Of The Sun (mar 1968 – jul 1968), Aoxomoxoa (mar 1969 – jun 1969) e Live Dead (mar 1969 – nov 1969) são meras aproximações de sua arte. Anthem of the Sun foi refinada em estúdio usando todos os tipos de efeitos e técnicas. A banda se baseou em Karlheinz Stockhausen, John Cage e Morton Subotnick  para a inspiração. O Blues e as raízes do país foram “alteradas” pelos produtores portanto desintegrando a estrutura da música e o desenvolvimento das execuções. Cada peça tornonara-se em orgia de som, tambores com tempos obsessivos para reproduzir as pulsações de uma viagem de LSD, eletrônica pintando sons aterrorizantes em êxtase, teclados sombrios gemendo misteriosamente como fantasmas presos em catacumbas, guitarras perfurando mentes e lançando os seus sonhos ao céu, vozes flutuando serenamente sobre a viajem. Arranjos transbordando, trompete, celesta e etc mas no geral a sensação era de angústia que fugiu do sentido “flower power” reforçada pela selva de dissonâncias e percussões. As improvisações longas soavam como música de câmara para viciados e bêbados. O crédito vai para o produtor Dave Hassinger que trouxe o “overdubbing” e performances diferentes  criando um sentido “multi-dimensional”  ou seja uma versão extrema da “parede de som”. O ritmo e a melodia haviam se tornado acessórios. Composições como Aoxomoxoa reparadas  movendo-se de volta para o formato de música tradicional. Dead live ao invéz disso voltou para sua verdadeira dimensão com faixas com Feedback, uma longa “viagem” pela guitarra monolítica de Garcia e Dark Star, Dead jam the terminal e the swan song of acid-rock. Ao mesmo tempo porém mantinham sua forma livre que nasceu de uma filosofia que ainda estava profundamente enraizada na tradição americana. Eles nasceram na fronteira entre a cultura individualista e libertária  e da cultura comunitária e espiritual. Apesar de ser ostracizado pela Instituição o Grateful Dead expressou melhor  que qualquer outra banda a quintessência da nação americana e talvez foi precisamente a razão pela qual sua música ressoou tão bem diante das almas dos jovens nos EUA. Não é  coincidência que o Grateful Dead juntamente com o Byrds e Bob Dylan encabeçaram o movimento através de Workingman’s Dead (fevereiro 1970 – jun 1970) e Jerry Garcia  solo Garcia (jul 1971 – jan 1972). A banda passou sua vida adulta tentando transformar a expressão subcultural dos hippies em uma linguagem universal que pudesse chegar a todos os cantos do planeta (não só os comunas hippies). Eles tiveram sucesso com uma forma de musica intelectual que interpretou a viagem lisérgica como uma fuga da realidade diária, da catarse e a libertação de neuroses urbanas: Weather Report Suite (1975), Blues For Allah (1975),  Shakedown Street (1978), Althea (1979) . Na prática sua arte era um estudo psicológico sobre a relação entre os estados alterados da mente (alucinações psicodélicas) e os estados alterados da psique (neuroses industriais).

 hippiesAs primeiras bandas de São Francisco tiveram que lidar com uma indústria fonográfica que os maltratava completamente e que não respeitava seus conceitos. As grandes empresas tinham necessidade de explorar o fenômeno hippie mas eles se recusavam pois os produtores eram pagos especificamente para destruir o som original e para “normalizar” suas composições (em outras palavras a “Beatles-ize” acid rock).

Enquanto cenas musicais anteriores em todo o mundo giraram em torno de um estilo específico (como Mersey beat, rhythm’n’blues ou surf music) a Baía de San Francisco tornou-se o lugar onde tudo era permitido. Na verdade praticamente a única coisa que não era permitido era  replicar o som de outra pessoa. Originalidade era ponto obrigatório ao passo que  talento era opcional.

O álbum gravado em 1967 pelos Charlatans, The Charlatans (1966/1967 -?? 1977) e  as músicas tambem vieram com uma série de singles de edição limitada no final de 1966 e início de 1967.

Electric Flag Mike Bloomfield estreou em (maio de 1967 -? 1967), uma mistura de psicodelia, ragtime e blues.

Moby Grape  encarna o espírito casual e mágico das viagens de ácido (janeiro / fevereiro 1968 – abril 1968) com Mike Bloomfield e Al Kooper e com solo de Alexander Spence no álbum Oar (dezembro 1968 – Maio de 1969).

Quicksilver  uma das maiores bandas de jam da cena acid rock de San Francisco o som garagem do Noroeste com ritmo de Chicago e do blues em especial em Happy Trails (nov 1968 – mar 1969) cujo faixas mais longas são ousadas com estilísticas cavalgadas que levam o blues como o ponto de partida com o objetivo para o interior americano.

Mad River que também foram influenciados pelo blues (-?? 1968) e Paradise Bar & Grill (-?? 1969).

Blue Cheer  por outro lado tocava blues-rock com uma vingança Vincebus Eruptum (1967 – jan 1968?) Introduziu um som aterrorizante ( guitarra ensurdecedora e grande amplificação no baixo) que desafiou toda a ideologia “hippie” e antecedeu o Stoner-rock  em 25 anos.

Steppenwolf desencadeou dois dos hinos mais difíceis de bater  Born To Be Wild (1968) que contém a expressão “heavy metal” que na época era uma gíria para determinar um “som pesado”, atitudes ou situações densas ou agressivas e que viria mais tarde a identificar um novo gênero e Magic Carpet Ride (1968) .

No outro extremo do espectro, Fifty Foot Hose uma das bandas mais experimentais da década de 1960 e um dos primeiros a empregar a eletrônica no rock de  vanguarda, recorded Cauldron (1967 -? Dezembro 1967 ) desafiando a atmosfera plácida do acid rock com o som cacofônico e caótico de suas apocalípticas “Freak outs”

monterey pop festival autografadoAlgumas destas bandas chegaram aos estúdios de gravação no momento em que a idade de ouro do ácid-rock já havia terminado, quando dois altamente divulgados eventos no verão de 1967 aconteceram, o Festival de Monterey (que legitimou o formato) e o album dos Beatles Sgt. Pepper (que legitimou o som “socialmente”). Durante este Verão a “alternativa” se tornou “mainstream”. O espírito anti-comercial do acid rock tornou-se uma contradição em termos. No ano seguinte as bandas hippies abraçaram o country-rock e voltaram ao formato de canção tradicional. O “Summer of Love” termo que se tornou “normal” ao senso comum (embora se possa argumentar que o “verão do amor” real havia ocorrido um ano antes sem o conhecimento da maior parte da mídia).
Houve também uma razão sócio-política para a morte súbita do movimento hippie. Os hippies nunca tiveram realmente quem os representasse dentro da classe intelectual. Eles haviam representado o homem médio jovem da classe média que estava com medo de ser convocado para a guerra do Vietnã e sonhava com um mundo sem armas nucleares. Os intelectuais de esquerda tinham prioridades diferentes e subscreveram que a ideia de que algum grau de guerrilha urbana era necessária a fim de mudar a Constituição. Os hippies eram apenas uma das facetas da contra-cultura. Em 1968 a maré virou e protestos violentos se tornaram mais populares que os pacíficos. O movimento de paz foi seqüestrado por revolucionários de um calibre diferente e sua trilha sonora psicodélica se tornou anacrônica diante do que impunha a nova realidade socio politica cultural que se estabelecera.

Eduardo Piloto

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